Este 2023 ha estado marcado por efemérides como las de Pablo Picasso y Joaquín Sorolla. El 50º aniversario de la muerte del genio malagueño ha ocupado páginas de diarios y muchas salas de exposiciones de diferentes lugares del mundo para celebrar a uno de los artistas más internacionales que ha dado nuestro país. Y Sorolla, el gran maestro de la luz, también ha protagonizado varias muestras en diferentes museos y salas españolas.
También hemos acudido, por fin, a la apertura de la Galería de las Colecciones Reales que, con retrasos desde 2015, se ha convertido en un gran proyecto museístico para la ciudad de Madrid. El edificio, obra de los arquitectos Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla, reúne en sus 40.000 metros cuadrados de espacio piezas espectaculares del maestro del claroscuro Caravaggio, de Velázquez, Lavinia Fontana, Pieter Brueghel el Viejo, Juan de Flandes sin olvidarnos de las increíbles columnas salomónicas que guarda con mimo.
Por el camino, Manuel Borja-Villel ha concluido su mandato al frente del Museo Reina Sofía dando paso a Manuel Segade, procedente del CA2M. Museo Centro de Arte Dos de Mayo; Ernest Urtasun ha sido nombrado nuevo Ministro de Cultura y hace escasamente unos días se ha abierto al público la Casa de la Arquitectura, un lugar para conocer el rico pasado arquitectónico español pero también con una vocación de reunir talento y observar el futuro de la disciplina. No nos podemos olvidar de una de las notas tristes del año, la retirada de la legendaria galerista Juana de Aizpuru, a la que debemos la creación y puesta en marcha de ARCOmadrid.
Ante los últimos compases del año y a la espera de todo lo que el 2024 nos tiene que ofrecer, seleccionamos las diez mejores exposiciones que hemos podido ver en los últimos meses.
Leonora Carrington en la Fundación Mapfre, Madrid
Nadie puede negar que la exposición que la Fundación Mapfre dedicó a Leonora Carrington ha sido una de las mejores del año, si no la mejor. La artista, indiscutible figura del surrealismo, practicaba una pintura que surgía de las entrañas y consigue captar mucho más que la atención del espectador. Con 188 obras, Revelación consiguió subsanar una cierta desmemoria a la que se había sometido a una artista que vivió uno de los peores momentos de su vida en nuestro país. En 1940 sufre una violación en Madrid por parte de un grupo de requetés que desata una crisis nerviosa que le lleva al hospital psiquiátrico de Santander, donde le administran fármacos que ocasionan ataques epilépticos y anulan la voluntad del paciente.
Aunque su obra puede parecer la manifestación de una mente inestable, lo cierto es que la pintura de Carrington es lúcida e imaginativa, repleta de seres zoomorfos y mitológicos, dioses y figuras medio animales, medio humanas que nos enfrentan a nuestros propios miedos e incertidumbres. Con frecuencia Carrington se representaba a sí misma a través de figuras de hienas, árboles, caballos, hilanderas o tejedoras que, a menudo, simbolizan el poder femenino. Sin duda, esta exposición reveladora es una de esas que difícilmente se olvidan.
Guido Reni en el Museo del Prado, Madrid
Guido Reni fue uno de los pintores más apreciados de su época y su fama tuvo una gran difusión en vida. Influido por la Antigüedad clásica y por el maestro Rafael, el artista boloñés se circunscribe en la tendencia clasicista del arte barroco. Sin embargo, y debido a los prejuicios decimonónicos en torno a la idea misma del artista, durante mucho tiempo Reni sufrió cierto ostracismo hasta que en 1954 una exposición en Bolonia reivindicó su figura. La exposición que el Museo Nacional del Prado le dedicó, la más importante de los últimos 35 años, reunió cerca de un centenar de piezas de diversas procedencias, ofreciendo una visión de la trayectoria de este artista del siglo XVII.
En esta magnífica exposición que reivindicaba la valía de su legado, el Museo del Prado presentaba una serie de obras que ponían de manifiesto la centralidad que el artista otorgaba al cuerpo humano y un ideal de belleza que, pudiendo ser cuestionado, cobraba total actualidad. Comenzando con una serie de pinturas de artistas que influyeron en Reni como la escuela de los Carracci y Caravaggio, la pinacoteca revisitaba esta figura en su contexto y su impacto posterior.
Maestras en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
El Museo Thyssen-Bornemisza ha contado con una programación sobresaliente durante todo el año. Empezó con un gran maestro como Lucian Freud y ha continuado con Maestras, una exposición imprescindible que reúne el trabajo de mujeres artistas que sufrieron las consecuencias de la época que les tocó vivir. Comisariada por Rocío de la Villa, Maestras muestra pinturas de artistas como Artemisia Gentileschi, Lavinia Fontana, Fede Galizia, Elisabetta Sirani, Clara Peeters, Natalia Goncharova, Angelica Kauffmann, Sonia Delauney, Firda Kahlo o Maruja Mallo.
Maestras se nutre de un centenar de pinturas, esculturas, obra sobre papel y textiles y ofrece un recorrido desde el siglo XVI hasta las primeras décadas del siglo XX. Dividida en ocho secciones temáticas, la comisaria plantea un viaje por las escenas más relevantes del camino de las mujeres hacia su emancipación. Partiendo de la noción actual de sororidad, focaliza grupos de artistas, mecenas y galeristas que compartieron valores y condiciones socioculturales y teóricas favorables, pese al sistema patriarcal. En definitiva, el Museo Thyssen-Bornemisza evidencia cómo estas artistas abordaron cuestiones candentes en su época, tomaron posición y aportaron nuevas iconografías y miradas alternativas.
Monet en CentroCentro, Madrid
«El color es mi obsesión», dijo alguna vez Monet, el padre del impresionismo. Esta afirmación queda constatada en la exposición que le dedica CentroCentro hasta el próximo 25 de febrero de 2024. La muestra, la primera dedicada al artista en España en décadas, reúne 50 piezas de incalculable valor procedentes del Musée Marmottan Monet de París, el conjunto que el pintor guardó con mimo durante años en su casa. En el Palacio de Cibeles nos encontramos con algunos de sus mejores paisajes: atardeceres en Normandía, paisajes de Holanda, veleros en el mar, días nublados y paisajes urbanos como los de la ciudad de Londres, a la que le dedicó una serie de más de 90 piezas.
Pero también vemos trenes, con una excepcional obra como El tren en la nieve. La locomotora, y sus inconfundibles cuadros de nenúfares y otras plantas a las que se dedicó en cuerpo y alma desde su jardín de Giverny, localidad a la que se trasladó y donde creó su propio jardín a medida.
Allí, aquejado de cataratas en su etapa final, Monet rozó la abstracción e inspiró a las generaciones posteriores de artistas.
Sebastiao Salgado en el Centro Cultural Fernán Gómez, Madrid
El Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acoge una de las exposiciones más interesantes de la temporada: Amazonia, del fotógrafo Sebastiao Salgado. Con gran delicadeza y sutileza, Salgado realizó siete viajes a la zona del Amazonas para retratar la realidad de las diversas tribus que viven allí y la necesidad de preservar el medioambiente. La exposición reúne más de 200 imágenes en blanco y negro que nos presentan esas otras formas de vida tan distintas a la nuestra y tan ligadas a su entorno natural. En un ambiente oscuro y con la música creada por Jean Michel Jarre que se inspira en los sonidos del Amazonas que ha obtenido el Museo de Etnografía de Ginebra, la muestra nos lleva a descubrir los lugares más remotos de una de las selvas más amplias e importantes del planeta.
Su belleza entrecorta la respiración pero quizá más el saber que tiene el poder de dar oxígeno a un planeta entero. Salgado retrata el modo de vida de los 300.000 indígenas que habitan estas tierras pero, sobre todo, hace un llamamiento a la preservación de la biodiversidad, tan amenazada en los últimos años. «En esta región habitan unos 310.000 indígenas que comprenden 169 diferentes grupos étnicos y hablan no menos de 130 idiomas. Hoy, este mundo ancestral también está en peligro de desaparición. Fue este calamitoso horizonte el que dio origen a este ambicioso y urgente proyecto fotográfico», leemos en una carta escrita por Sebastiao Salgado y Lélia Wanick Salgado.
Antonio López en La Pedrera, Barcelona
Antonio López es uno de los grandes pintores de nuestro país. La exposición de la Fundación Catalunya La Pedrera es la primera que se le dedica en Barcelona al maestro del movimiento realista de la segunda mitad del siglo XX. Afincado en Madrid, el pintor de Tomelloso mantiene la energía para coger su caballete y salir a pintar la realidad, que no es otra cosa sino el punto de partida para su obra.
Esta exposición reúne hasta el 14 de enero un centenar de obras entre pinturas, esculturas y dibujos que ponen de manifiesto algunas de las temáticas que más ha tratado el artista: los interiores domésticos, los paisajes, las vistas urbanas o la figura humana. López recorre en Barcelona siete décadas de trayectoria, desde sus primeras obras hasta su trabajo más reciente. De producción lenta y minuciosa, Lopez asegura que «una obra nunca se acaba, sino que llega al límite de sus propias posibilidades».
Yayoi Kusama en el Guggenheim, Bilbao
Este año el museo Guggenheim de Bilbao ha tenido dos muestras excepcionales: las dedicadas a la artista japonesa Yayoi Kusama y la del vienés Oskar Kokoschka. Si tenemos que elegir, aunque en esta situación cuesta y mucho, escogemos la exposición de Kusama por el interés que siempre genera la artista que, por voluntad propia, vive en un sanatorio de Tokyo desde hace décadas. Entre las casi 200 piezas de las que se componía esta muestra había pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones y material de archivo de sus happenings y performances.
El singular universo de Kusama, compuesto por lunares, calabazas, redes infinitas e instalaciones de gran tamaño, recordaba en el museo bilbaíno el genio creativo que ha acompañado a Kusama desde que se trasladó a Estados Unidos en 1957 y los temas que más ha tratado durante su trayectoria. El infinito, la acumulación, lo biocósmico o la muerte son algunos de esos asuntos a los que ha vuelto en infinidad de ocasiones rozando, incluso, la obsesión. La exposición también ponía de relieve todos los contextos históricos en los que Kusama ha vivido: desde el régimen totalitario de su país en los años 30, la Guerra del Pacífico, la ocupación de Japón hasta la guerra de Vietnam o la lucha por los derechos civiles.
Universo Maeght en Chillida Leku, Hernani (Gipuzkoa)
Aimé Maeght fue uno de los marchantes más reconocidos y respetados del siglo XX. Con una gran visión y pasión por el arte, fundó la Galerie Maeght y en 1964 la Fondation Maeght junto a su mujer, Marguerite Maeght, en Saint-Paul-de-Vence, donde se reunían artistas de la talla de Giacometti, Calder, Braque, Miró o Eduardo Chillida. Precisamente como homenaje al coleccionista surge Universo Maeght, una exposición en Chillida Leku, la obra más personal de Chillida, que transmite la atmósfera creativa y de libertad que se respiraba en el centro francés.
Con un total de 17 piezas, algunas de ellas de gran tamaño y de varias toneladas de peso, Universo Maeght es la primera exposición colectiva internacional que se inaugura en Chillida Leku y, además, la que ha puesto en marcha la programación del centenario del nacimiento de Eduardo Chillida, uno de los escultores más singulares del siglo XX. Eduardo Chillida 100 años, el nombre que se le ha dado a la efeméride, contará con exposiciones en diferentes partes del mundo para celebrar la figura y la obra de un artista singular y de ideas universales que el próximo 10 de enero hubiera cumplido 100 años.
Helmut Newton – Fact & Fiction en la Fundación MOP, A Coruña
Helmut Newton – Fact & Fiction es la tercera exposición de la Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP) en A Coruña, una fundación que se asienta sobre tres pilares fundamentales: la moda, la fotografía y la ciudad gallega. Esta muestra, que reúne un centenar de imágenes del legendario fotógrafo germano-australiano, vemos algunos de los rostros más conocidos del mundo de la moda como Charlotte Rampling, Elsa Peretti, Daryl Hannah, Jerry Hall, Naomi Campbell, Yves Saint Laurent y Karl Lagerfeld pero también otros procedentes del arte como Andy Warhol, de la música como David Bowie o de la política como Margaret Thatcher.
Esta muestra comisariada por Philippe Garner, Matthias Harder y Tim Jefferies y situada en el puerto de A Coruña, también expone sus grandes desnudos, sus paisajes de ciudades como París, Los Ángeles, Berlín o Viena y pone sobre la mesa su faceta más personal. Para ello, Helmut Newton – Fact & Fiction cuenta con una serie de vídeos en los que vemos al fotógrafo trabajar, imágenes personales que nos llevan de viaje a su infancia y documentos como carteles, cámaras, accesorios y recuerdos.
Otobong Nkanga en el IVAM, Valencia
Galardonada este año con el Premio Nasher de Escultura, la artista nigeriana Otobong Nkanga investiga en torno a la noción de tierra tomando como punto de partida los sistemas y procedimientos mediante los cuales se excavan las materias primas, procesándolas tecnológicamente y distribuyéndolas globalmente. Anhelo de luz del sur, título de la muestra que se puede ver en el IVAM hasta enero, reúne las dos últimas décadas del trabajo de la artista nigeriana.
En su trabajo, Nkanga habla sobre los hilos que entrelazan los minerales, la cultura material y la construcción del deseo con la redistribución del poder y el saber. A través de dibujos, instalaciones, fotografías, esculturas y performances, la artista examina la relación social y topográfica con nuestro entorno cotidiano. Al explorar la noción de tierra como un lugar de no pertenencia, Nkanga proporciona un significado alternativo a las ideas sociales de identidad. Piedras, telas, especies o plantas son algunos de los materiales con los que Otobong Nkanga trabaja su obra, lo que le permite hablar de la migración, apropiación y pérdida.
